聖桑

1835 年 10 月 9 日出生於法國巴黎，父親出身於諾曼第附近的貧苦農家，母親是水彩畫家。父親在聖桑兩個月大時去世，聖桑由母親和伯母共同撫養，伯母是音樂家，於聖桑兩歲半時開始教他彈琴。

聖桑擁有驚人的音樂天份，五歲時寫出附有鋼琴伴奏的歌曲，七歲開始跟隨史塔馬替學琴，並和馬雷登學作曲，十歲時和比利時的小提琴家貝塞姆斯合作演出貝多芬的小提琴奏鳴曲，幾個月後更舉辦首次鋼琴獨奏會，演奏曲目包括巴哈、韓德爾、莫札特及貝多芬等人的作品。1848 年進入巴黎音樂院選修風琴和作曲，隔年獲得院中風琴比賽第二名，1851 年更獲得首獎。1852 年首次競爭羅馬大獎時失利，不過稍後以一首聖賽酉里頌歌得到巴黎聖賽西里音樂協會首獎，該曲並於同年十二月演出。

這一年聖桑還認識了李斯特，兩人結為好友，李斯特的音樂對聖桑日後的創作影響很大。1853 年從音樂院畢業，第一份工作是到聖梅麗教堂擔任風琴師。1853 年發表第一號交響曲，1856 年完成第二首交響曲，不過後來他卻捨棄了這首曲子。

1857 年獲聘為瑪德林大教堂風琴師，1861 年出任尼德麥爾音樂學校鋼琴老師，這是聖桑一生中唯一從事的正式教職，佛瑞當時便曾受教於聖桑門下。

1864 年第二度角逐羅馬大獎再次失敗。1865 年完成第一齣歌劇，之後又陸續寫了 " 黃衣公主 " 等幾部歌劇，不過初演時成績都不理想。1868 年獲頒法國政府榮譽勳章，表彰他對法國樂壇的貢獻。

1875 年聖桑寫了最著名的歌劇 " 參遜與黛麗拉 "，不過遭巴黎歌劇院拒演，首演拖至 1877 年在李斯特的支持與指揮下於威瑪演出。

1875 年結婚，婚後三年的某一天長子不慎從窗台上落地身亡，幾個星期後次子也突然夭折。接連失去兩個孩子，他認為是因妻子疏於照顧，因此決意不再與妻子共同生活。同年聖桑利用和妻子度假的機會偷偷地溜走，妻子發現聖桑失蹤後以為是發生了意外，幾天後收到了聖桑來信表示決定永遠不再回到她身邊了。

1881 年聖桑入選為國家藝術院院士，巴黎的各大歌劇院才開始主動表示樂意演出他的歌劇作品。1883 年，歌劇亨利八世首先登場，1892 年參遜與黛麗拉也終於在巴黎演出，極為成功。

1886 年完成了 C 小調第三號交響曲，由倫敦愛樂交響樂團舉行首演，是聖桑為了追念李斯特而寫的作品，除了在結構上與傳統交響曲不同外，更別出心裁的運用鋼琴與管風琴。這首曲子推出後大受歡迎，成了聖桑所有作品中最常被演奏的曲目。

1893 年獲英國劍橋大學頒贈榮譽音樂博士學位，事實除了音樂外，聖桑也曾深入鑽研天文學和物理，是位業餘科學家。此外他也寫詩、寫劇本、寫評論文章，寫哲學著述，而且精通多種語言，所以聖桑在音樂家當中可算是最博學的一位。

聖桑一生酷愛旅行，足跡遍佈全球，他曾數度旅居北非，而阿爾及利亞組曲及非洲幻想曲就是描寫他對北非的印象，另外他也曾訪問中南半島。 1960 年聖桑首次造訪美國，並舉行了多場音樂會。1916 年應法國政府邀請，代表法國出席在舊金山舉辦的巴拿馬 ─ 太平洋博覽會，二度遊美，此行他還順道遊歷了南美洲各國。

1920 年，85 歲的聖桑仍然到希臘及阿爾及利亞旅遊。1921 年冬天前往阿爾及利亞避寒，卻突然去世於異鄉，遺體被運回巴黎安葬，葬禮極為盛大而隆重。

普羅高菲夫

普羅高菲夫是俄國鋼琴家和作曲家，是俄國最偉大和多產的作曲家之一。於1891年4月23日出生於南歐俄屬的鄉下宋所夫卡(Sontsovka)；1953年3月4日死於莫斯科。在他六歲時就已經顯露出極高的音樂才華，那時候就能夠作曲並且舉行全場的鋼琴獨奏會。九歲時已經開始創作歌劇 即三幕歌劇【巨人】。

　在1902年將自己的歌劇作品編成管弦樂組曲，名為荒島(Desert Island)。這時的她已經開始與明師葛立爾(Gliere)學理論。後來進入聖彼得堡音樂院主修鋼琴和指揮，師事林姆斯基-高沙可夫、李耳道夫(Liadov)、維多(Wihtoe)及尼克拉才利普寧(Nikolay Tcherepnin)學習理論與作曲。他同時也是當時著名鋼琴家艾希波夫(Annette Essipov)的得意門生。 他學生時期的作品喜歡用一些不諧和音，非常刺耳，旋律也會突然不合理的轉調，似乎是開玩笑一般，使老師們感到頭痛，因此以音樂叛徒而出名。但是大家還是不得不承認他是個音樂的天才。

　1914年23歲，離開音樂院時獲得最高的鋼琴獎章，並同時得到了作曲、指揮和鋼琴三張文憑。有次在參加學校舉辦的魯賓斯坦鋼琴比賽時，他不依照規定彈奏古典樂曲卻要求表現自己所做的第一號鋼琴協奏曲，經過了一番的爭論商討後，評審們勉強的允許他準備好樂譜試彈一次，沒想到他演奏得出神入化，精彩無比，震撼了全場，因此而得到首獎 - 一台大型演奏用平臺琴。後來又以幾首鋼琴作品及1916年發表的大規模交響樂賽西亞人組曲(Scythian Suite)，1918年發表最出名的【古典交響曲】等作品風靡全國，使他成為一流的作曲家。

　不久俄國大革命擾亂了他的生活，1918年秋天27歲的他離開俄國旅行到倫敦、巴黎和日本再轉往美國，這期間他以開鋼琴演奏會、寫作芭蕾舞曲和歌劇來維持生活。1921年12月30日，芝加哥歌劇協會推出了他的四幕歌劇【三只橘子之愛】(The Love of Three Oranges)。該年五月，戴爾基列夫的俄國芭蕾舞團(Diaghilevs Russian Ballet)在巴黎演出他的歌劇【小丑】(The Buffoon)舞劇。1921年定居巴黎，自此聲名遠播。

　1927年一月遷回俄國定居直到逝世。當他回到俄國時政府當局和音樂家都熱烈的歡迎他，使他成為最受尊敬、待遇最高的首席作曲家。他的性格這時也漸趨成熟，作品的旋律已較抒情化，風格也不似以前那般嘲諷、淘氣和尖銳了。雖然俄國政府控制人民出入國境很嚴格，但對普羅高菲夫特別的優惠，因為他仍然可以自由的的進出訪問歐美各地。

1928年他根據杜斯妥耶夫斯基(Dostoyevsky)的小說【賭鬼(The Gambler)】而寫的歌劇完成。同年完成了一首鋼琴五重奏，並預定在義大利的Siena舉行"國際現代音樂協會"(International Seoeity of Contemporary Music)年會中演出，但由於作者未能到席而取消。歌劇【賭鬼】在1929年4月29日，於布魯塞爾的蒙納埃劇院(Theatre de la Monnaie)初演。大指揮家盟都(Monteux)在同年五月17日指揮演出他的第三號交響曲。他的【嬉戲曲(Divertimento)】也在同年演出。他同時受波士頓交響樂團的委託創作了他的第四首交響曲。這首交響曲是為了慶祝波士頓交響樂團成立五十週年而做，在1930年11月30日，由庫瑟威斯基(Kussevitsky)指揮演出。

1932年10月31日，他與柏林愛樂交響樂團演出自己的第五首鋼琴協奏曲。12月李法(Sergey Lifar)在巴黎演出他的芭蕾舞劇【在波麗星】(On the Borysthenes)。

1934年四月，【交響之歌】(Symphonic Song)由莫斯科愛樂協會演出。七月在莫斯科發表了管弦樂組曲【基傑少尉】(Liewtenant Kizhe)。

1935年八月，完成第二號小提琴協奏曲。

1936年六月，完成了童話故事【彼得與狼】音樂劇。曲中他已近乎音樂欣賞主持人的姿態來介紹交響樂中的樂器給年輕人。

　
二次大戰時他做了很多充滿愛國熱誠的進行曲、清唱劇與交響曲等，但卻在戰後被俄共當局與樂評家攻擊他的音樂落後腐化，嚴厲的清算他，要他改變曲風，可是他卻堅決的拒絕了，仍然以自己的風格作曲。直到1953年去世，享年64歲。五年後俄共轉變了態度並追贈他最高榮譽的列寧獎章。

蒙台威爾第

蒙台威爾第 l567年5月15日生於克雷蒙納(Cremona)，為家中長子，一個位於義大利北部波河沿岸，以製造小提琴著稱的小城。父親寶達沙(Baldassarre Monteverd)是一位化學家，後來受訓成為合格外科醫師，但一生不善理財。蒙台威爾第幼年喪母，父親再娶。不幸第二任妻子也早逝，當蒙台威爾第年僅15歲時，父親已經娶第三任妻子。由於克雷蒙納擁有優良的音樂傳統，蒙台威爾第從小即耳濡目染，並大約於1576年加入克雷蒙納大教堂的樂隊，並極可能在此接受小學教育，就在這個年紀，蒙台威爾第在擔任克雷蒙納大教堂樂長的老師影響下，出版他最早的作品 ：《神怪小曲集》，後來寫過一些牧歌，並以演奏提琴為生。以一個作曲家和牧歌創作者而言，當時他還算小有名氣。

　1582年，年僅十五歲的蒙台威爾第出版了他的第一部作品集「四聲部聖樂曲」，在作品中已可看見蒙台威爾第對音樂的領悟力與天賦。1589年，蒙台威爾第前往倫巴底市，並結識了米蘭參議院主席里卡笛(Giacomo Riccardi)，原先希望藉此機會能夠遞補米蘭教堂樂團指揮的空缺，但最後仍未能如願。次年，蒙台威爾第前往曼圖亞(Mantua)尋找工作職位，由於當時的文森佐.貢札哥公爵喜好藝術，並且大力推廣，使的蒙台威爾第能在此發揮長才。1595年，蒙台威爾第隨公爵出征，這段旅程中蒙台威爾第大開眼界，增長許多見聞，同年，回到曼圖亞後不久，宮廷樂團指揮去世，蒙台威爾第原先寄望可以因此當上指揮一職，然而他再度獲得失望的結果。


　1590年受聘進入曼圖亞公爵府中工作，首先擔任提琴手，1602年起擔任唱詩班指揮。這一段時間蒙台威爾第過著愜意、充實的生活，除了創作了許多教堂音樂，並且在公爵的贊助下出版自己的作品。公爵非常欣賞他的才華，還允許他自由自在地寫自己喜歡的音樂：歌劇。 1599年五月，蒙台威爾第與克勞蒂亞．卡塔尼奧在曼圖亞舉行婚禮，然而婚後不久，蒙台威爾第再度與公爵外出旅行。在這段旅程中，蒙台威爾第一路上雖然身體不適，然而他在旅程中獲得複音音樂的重大啟示，算是滿載而歸。回到曼圖亞後，蒙台威爾第的生命開始有了轉機，1601年，蒙台威爾第的長子誕生，更獲得宮廷樂長的職位，可謂雙喜臨門。

　好景不常，蒙台威爾第四十多歲時連遭不幸。1607年，與他感情甚篤的妻子去世，讓他精神大受打擊，不得不修養數年；而後賞識他的文森佐公爵猝然逝世，並由其子法蘭西斯科(Francesco)繼位公爵，他在1612將蒙台威爾解僱，只好傷心的回到克雷蒙納。他失業了一年，這一年中他與雙親同住，還遭受祝融之災，將他十二部歌劇的樂譜全部燒毀。1613年蒙台威爾第到了威尼斯，正當蒙台威爾第正在猶豫的當時，威尼斯聖馬可大教堂樂團的指揮去世，蒙台威爾第受召前往，在接受試聽演出後，隨即被授與樂團指揮一職，蒙台威爾第在威尼斯終於發現自己的價值，並獲得肯定。其後蒙台威爾第在威尼斯定居，不僅享有豐厚的待遇，亦受到宮廷的重視，並在此完成了他重要的代表作品，擔任這個職位直到去世。

　1643年，蒙台威爾第於威尼斯與世長辭。隨著巴洛克時期的來臨，蒙台威爾第的音樂很快的消逝於巴洛克音樂中，甚至遭世人遺忘。直至三百年後的近數十年，才再度為後世所發

荀白克

荀白克（Arnold Schoenberg，1874~1951），1874年9月13日生於維也納，1951年7月13日死於美國洛杉磯。他是奧國作曲家、指揮家及音樂教育家。1941年入籍美國，為音樂史上最有影響力的人物之一。

　　荀白克的一生，從未進過正式的音樂院，是一個自學有成的音樂家。1894在他20歲時，機緣遇到了亦師亦友的哲林斯基（Alexander von Zemlinsky）， 隨他學習對位法。在音樂創作上才真正發揮了最大的影響力。1897年推出一首弦樂四重奏和多首歌曲。以為他人作清歌劇配樂賴以維生。1899年作，<昇華之夜>(Verklarte Nacht)，1900年著手創作<古勒之歌> (Gurrelieder)，二者都屬於華格納以後的浪漫主義風格。荀白克因<古勒之歌>第一部份之成就，並經理察- 史特勞斯推薦,而獲得史坦音樂院教席及講學金。在此期間他完成了音詩 <佩莉雅與梅筣桑>( Pelleas und Melisande)。
　

1903年，返回維也納，在羅賽(Rose)四重奏團排演他的室內樂作品時，結識了馬勒 (Mahler) 。荀白克在這一時期的學生包括魏本 (Webern)、貝格(Berg)、魏勒玆 (Wellesz)、艾爾溫.史坦 (Erwin Stein) 等人，這群學生皆終身追隨不渝。


　　1904年，荀白克與哲林斯基等一群年輕的作曲家們組成了「創樂協會」，放手於新音樂的推展，而演出了不少新派的作品，也在此時露出了他的叛逆性格，創作開始偏離航道，打響了他的知名度，引來了許多才氣洋溢的青年。在1903-07年的作品中,荀白克將半音和聲發揮的淋漓盡致,音調結構愈來愈無法捉摸,直到1909年,op.11為鋼琴的<3首小品> (3 pieces)和連篇歌曲<空中花園之篇>(Das Buch der hangenden Garten)中, 他的無調性始發展完成。這二部作品演出時遭到反對者強烈的批評，和擁護者同等強烈的歡呼。1911年出版名著和聲學論.(Harmonielehre)在此同時，他也用畫筆發展出動人的「表現主義」風格。1912年為女演員艾伯汀娜.齊默(Albertine Zehme)作<月光小丑>(Pierrot Lunaire)。這是一部為口白體風格朗誦和室內樂合奏團的作品，此作品在維也納的演出激起更多的批判<5首管絃樂曲> (5 Orchestral Pieces)也在同年首次在倫敦完整演出。
　

1918年在維也納成立「私人音樂表演協會」，謝絕評論家參加，事先不公佈節目內容，禁止鼓掌。
1913-21年間，創作極少，下一批作品是1923年的<5首鋼琴小品> (5 Piano Pieces , op.23) <小夜曲 > (Serenade,op. 24)這二部作品向世人引介了『用十二個音作曲的方法』，這是荀白克用以組織無調性音樂的記法。而鋼琴<組曲>(Suite,op.25)，是第一部完全用十二音列方法寫作的樂曲。在採用這一系列革命性手法的同時，荀白克也重新嚴格運用傳統曲式。
　

1925年，應邀去柏林普魯士藝術學院教授作曲，直到1933年被納粹解職，同年並離開德國。1933年在巴黎重新皈依依猶太教，移居美國，定居洛杉磯。1936-44年執教於加州大學。這時宣佈將其姓由德文的Schonberg改為Schoenberg此後十八年間，時而用十二音列，時而用有調性風格作曲，追隨者大為驚愕，他卻處之泰然。他說每一個作曲家都可改變其風格以適應創作需要和目的。同時修訂舊作，作若干首宗教曲。並繼續進行在歐洲時擱置的二大計劃----神劇約伯的弟子和歌劇摩西與阿倫。但前者始終沒有完成，而後者則僅完成3幕中的2幕。摩西與阿倫在他死後始上演，雖然到1951年他只寫了第3幕中的幾個小節，但全劇效果卻感人至深。

帕海貝爾

1653年9月1日生於德國紐倫堡，1706年3月9日逝世於紐倫堡。德國作曲家、管風琴家，先後曾在許多地方擔任過管風琴師的職位。帕海貝爾在西洋音樂史上經常被忽略今，他的作品也都沒有獲得妥善的保管，西風費盡心思想找出有關他的圖片但就是遍尋不著。即使提到，也多半僅是說他是「數字低音時代」的管風琴大師而已，事實上他的作品曾對巴哈產生過很大的影響，為什麼他會對巴哈有那麼大的影響是因為他是當時最偉大的風琴作曲家，巴哈的哥哥就曾在他門下學習。帕海貝爾 的一生寫了很多的教會音樂，因為他信奉當時新興的路德教派，自然的也當了好幾個教堂的風琴師。他著名作品包括(眾贊歌前奏)七十八首、由三把小提琴與數字低音的(D大調卡農與吉格)等。

他年輕時在聖羅倫茲（St. Lorenz）高等學校就讀，就追隨許溫默（Heinrich Schwemmer）和魏克（Wecker）兩人學習作曲和器樂演奏的技巧。1669年六月二九日，進入阿爾道夫學校（Altdorf），並在聖羅倫茲教堂內擔任管風琴師。一年後，因為經濟狀況被迫輟學，終止了他的大學教育。然而在隔年春天他因為在學術知識上展露的天分，而被選入另一所學院接受學者訓練，而且因為他在音樂上別有專精，學校更特許他在校外另外跟從普倫次（Kaspar Prentz）學習作曲。

　
1673年追隨他的老師普倫次到維也納擔任聖史提芬教堂的管風琴師。維也納是個天主教國家，他也因此接觸到了德國南部和義大利的天主教音樂作品，在普倫次的影響下，逐漸將自己原有的北德風格轉向意大利風格。 之後他進入了艾森納赫（Eisenach）擔任宮廷管風琴師，這是艾薩克遜-艾森納赫公爵，即約翰．喬治王子的轄地。五年後因為王子的哥哥過世，宮廷守喪，樂師都被裁撤，他於是在1678年5月18日離開艾森納赫。然後來到了艾爾福特（Erfurt）的普雷迪格教堂（Predigerkirche）。這個教堂對管風琴師的要求很嚴格，除了要伴奏新教派門徒演唱聖歌， 還必須提供聖歌的前奏曲，不能即興亂彈。因此，他的管風琴技術得以發揮便是在這個階段，而且發表不少重要的管風琴作品，奠立了他巴洛克後期管風琴名家的聲望。

1681年，28歲時娶芭芭拉蓋布勒（Barbara Gabler）為妻，兩年後芭芭拉難產過世。隔年他再娶茱笛絲卓默（Judith Drommer），Judith為他生下了七名子女。艾森納赫就是巴哈的故鄉，所以 他與巴哈的父親也熟識，他還當了巴哈姐姐的教父，也負責教導巴哈的哥哥音樂。巴哈的父親 去世之後，這位長兄就負責教育巴哈音樂，所以我們可以稱他為巴哈的師祖。

　
離開了艾爾福特（Erfurt），來到伍騰堡（Wurttemberg）宮廷，伍騰堡位於斯圖佳(Stuttgart)，這是瑪德蓮娜女爵的轄地（Duchess Magdalena Sibylla），這個地方給他很多專業上的自由度，可惜好景不常，在1692年秋，因為法國大軍入侵，他被迫返回出生地紐倫堡，最後輾轉到了戈塔（Gotha）。碰巧出生地紐倫堡的聖塞巴德（St. Sebald）教堂的原任風琴師，也就是他的老師魏克過世，他得以順利接任老師之職位。他就在這裡一直待到他過世。在紐倫堡的五年間，他寫下了感恩（Magnificat）等重要的宗教合唱曲和管風琴賦格，被視為他晚年的代表作。

　
他的兩個兒子Carl 和 Wilhelm Hieronymus也都是風琴演奏家兼作曲家，是美國早期的移民者，後來都逝世於南卡羅來納州的查爾斯頓。

(感謝本站樂友Franz熱心提供三張珍貴照片，上圖居中者為帕海貝爾)

　帕海貝爾的音樂

帕海貝爾在西洋音樂史上經常被忽略 ，他的重要性在於影響巴哈音樂的發展。 他的重要作品是風琴曲 ，特別是他的聖詠前奏曲 ，「卡農」 更是耳熟能詳的名曲，大約在1680年完成,原本只是無數巴洛克佳作中的其中一首，以三部小提琴間隔兩小節演奏一首完全相同的曲調，工整精緻，「卡農」並非曲名，而是一種曲式，字面上意思是「輪唱」，簡單的講，就是有數個聲部的旋律依次出現，給人綿延不斷的感覺。 。

德布西

印象主義原指畫家的畫作不著重於具體精細地描繪，而強調光影微妙變化所帶來的主觀感受。德布西受印象畫派畫作的影響與啟發，音樂風格不以傳統所講究的優美旋律或完整樂曲架構為主要訴求，而追求一種聲音色彩瞬間變化所產生的音響效果。因此他的音樂在旋律架構上變得模糊不清，給人一種朦朧的印象。儘管德布西本人並不是很喜歡印象派這個稱呼，但世人還是稱他所寫的音樂是印象派的音樂。

1862 年 8 月 22 日出生於法國巴黎近郊小城聖杰爾曼。父親在城中經營一家瓷器店，不過在德布酉出生後不久就結束了生意，舉家遷到巴黎並在一家公司裡擔任職員，因此德布西的幼年是於巴黎度過。

德布西祖先中有人從事農耕、有人從事工匠、也有做小生意的，但跟音樂從無任何關係，因此雖然德布西從小就顯現音樂天份，但並未引起家人注意，直到別人提醒，父親才開始讓他跟隨一位義大利音樂家接受音樂教育，不過父親從未想過要他成為音樂家，他一直希望德布西長大後能當水手，甚至曾考慮等德布西再大一點，就送他到航海學校讀書。

1871 年因為家庭經濟困難，德布西被送往生活費較低的坎城並寄住於嬸嬸家，在那兒遇到了蕭邦的學生弗羅維爾女士，她發覺了德布西的音樂天賦後便開始教他彈鋼琴。由於弗羅維爾女士為德布西打下了良好基礎，才使德布西能於 1873 年以11 歲稚齡進入巴黎音樂院就讀。

德布西在音樂院中學習作曲及鋼琴，曾多次贏得學校鋼琴比賽的獎項，但在樂理方面，他一直是個讓老師頭痛的學生。他很早就顯示出對非正統和聲的獨特見解，在他的作業中經常出現違反規則的不尋常和聲，這使他獲得了 " 傳統破壞者 " 的稱號。由於擁有強烈的反叛性，老師始終認為德布西是位不堪造就的學生，同學們也認為他是一個古怪、倔強而又難以相處的人。

1880 年德布西認識了柴可夫斯基的贊助人梅克夫人。並於 1881 年及 1882 年兩度前往俄國擔任梅克夫人家的鋼琴老師，他時常與梅克夫人一起彈奏鋼琴二重奏，並教她的孩子們彈琴。梅克夫人在寫給柴可夫斯基的信上時常提到德布西， 一封信裡她曾對德布西有過這樣的一段描述：他徹頭徹底是個巴黎人，活潑、有生氣，很機智也很會模仿，他對古諾的模仿尤為逗趣。

1882 年德布西以一首女聲合唱曲 " 春 " 競爭羅馬大獎但落選。隔年又以一首清唱劇 " 劍客 " 再度爭逐，獲得了第二獎。1884 年三度參賽，終於以一首清唱劇 " 浪子 " 得到首獎。按照羅馬大獎的比賽規則，獲得首獎者可以到義大利留學三年，因此德布西便於1885 年前往羅馬。由於當時留學羅馬的法國學生都被集中住在同一個地方接受統一管理，這種集體的生活方式對德布西而言實在無法接受，因此才待了兩年多，在還未完成最後學業的狀況下就逕自離開羅馬返回巴黎。

回到巴黎後結識了詩人馬拉梅，並加入馬拉梅家著名的《星期二夜晚》聚會。在那兒遇見許多位具領導地位的象徵主義文學家及印象派畫家，他們給了德布西相當深遠的影響。因為德布西所結交的象徵主義詩人都是華格納的熱烈崇拜者，影響所及，德布西曾於 1888 年和 1889 年兩度前往拜魯特觀賞華格納樂劇。

當他第二次從拜魯特回來後突然醒悟，身為法國作曲家應該要建立自己的音樂風格而不能老是屈服在德國的音樂之下，所以他一變而成為華格納的反對者。他的反對意識非常強烈，自己的作品也愈來愈趨向法國化，最後終於成為一位純然法國風格的作曲家。

1889 年巴黎舉辦世界萬國博覽會，在博覽會上德布西首次接觸到爪哇島的甘美朗音樂，他深深為這種東方異國音所著迷，使他在日後的作品中時常運用五聲音階。

1890 年德布西和嘉比 . 杜邦小姐陷入熱戀﹝在這之前，他曾與一位建築師的妻子有過一段持續多年的戀情﹞，此後數年為德布西一生中最主要的創作時期。

1893 年他的 " 弦樂四重奏 " 獲得演出機會，這是他第一首真正能引起人們注意的作品。1894 年管弦樂曲 " 牧神的午後前奏曲 " 在國民音樂協會首演〈這首曲子是德布西根據馬拉梅的詩 " 牧神的午後 " 於一八九二年所寫〉，由於曲子呈現出充滿官能美的夢幻意境，觀眾聽得如癡如醉。德布西印象風格的作曲手法至此完全顯示並且確立。

1899 年德布西完成了另一首不朽傑作 " 夜曲 "，這是一首由《雲、節日及人魚》三段音樂所組成的管弦樂曲，在最後一段的〈人魚〉中，德布西大膽採用無歌詞的女聲合唱，這在當時不僅是極富創意的手法，其所表現出的神秘、縹緲的氣氛，也讓此曲更具有印象主義性格。

同年，德布西娶羅莎麗 . 德克西爾小姐為妻，她是一位來自布根第的美麗裁縫師，雖然她對丈夫非常忠誠，對妻子的角色也很盡職，但仍無法改變德布西花心的個性，到了 1904 年德布西便背棄她另與一位銀行家的妻子艾瑪 . 巴爾達克發生戀情，艾瑪是一個歌唱家，她時常演唱德布西所寫的歌曲。儘管德布西外遇的行為受到許多親友反對，羅莎麗也因此事件一而自殺未果，不過依舊無法挽回破裂的婚姻，兩人於是在八月間離婚，德布西即於隔年，娶了艾瑪為妻。

1902 年 4 月 30 日德布西唯一的一部歌劇 " 佩利亞與梅麗桑 " 在巴黎喜歌劇院公演〈德布西從 1903 年起即開始寫作這齣歌劇，前後花了八年的時間〉。然而就在正式上演之前，該劇原作者梅特林克公開表示反對德布西的這部歌劇，並說 : " 佩利亞與梅麗桑 " 是一部令我感到陌生而且厭惡的作品，我希望它立刻並且完全的失敗 "。為何梅特林克當初同意德布西以他的著作譜寫歌劇，後來又突然強烈反對呢？其原因除了德布西在未徵得他的同意下對劇情做了少許更動外，最主要是德布西先前允諾首演時由梅特林克夫人飾唱梅麗桑一角，可是後來卻改由美國籍女歌手葛登擔綱，此舉激怒了梅特林克，因此他才意圖報復。

佩利亞與梅麗桑首演的成績毀譽參半，有樂評家認為它是一部頹廢而又矯揉造作的作品，但也有人認為它是一部偉大的歌劇，它已完全脫離義大利歌劇的影響，同時也是對於當時的華格納旋風的一記強力反擊。佩利亞與梅麗桑發表後，德布西成了當時新音樂運動的領導人物，他在歐洲許多城市以指揮的身分演出自己的作品，同時也常為各雜誌撰寫評論。基本上德布西是一個刻薄、機敏又喜歡批評的評論家，雖然偶爾會失之公允，但總能言之有物。

1903 年完成鋼琴作品 " 版畫 "，1905 五年完成 " 映象 " 第一卷，同年十月交響詩 " 海 " 在巴黎首演。同月艾瑪為他生下他唯一的女兒。1907 年至 1915 年間德布西先後譜出了不少鋼琴作品，例如 1907 年 " 映象 " 第二卷，1908 年 " 兒童世界 " ，1910 年 " 前奏曲 " 第一卷，1913 年 " 前奏曲 " 第二卷以及 1915 年 " 十二首練習曲 " 等。

德布西在這些樂曲中充份運用鋼琴的特性，如踏板的使用，高、低音域間的對比以及泛音的混合效果等。他的一些新嘗試，讓世人對鋼琴音響有了全新體認，所以德布西在鋼琴音樂的貢獻是可以和蕭邦媲美的。

1916 年完成 " 長笛、中提琴與豎琴奏鳴曲 " 和 " 大提琴與鋼琴奏鳴曲 "。1917 年完成 " 小提琴與鋼琴奏鳴曲 "。

1918 年 3 月 25 日因直腸癌病逝，享年 56 歲。

史卡拉第

史卡拉第於1685年10月26日誕生於義大利的那不勒斯(Naples)，他的家裡有10個兄弟姐妹，他則排行第六，他有個弟弟皮耶托．飛利浦．史卡拉第也是一位音樂家。他的父親亞力山卓．史卡拉第Alessandro Scarlatti是著名的古歌劇作曲家之一，其和聲和曲式對於西洋音樂早有很大的貢獻，史卡拉第從小便跟父親學習彈奏古鋼琴與作曲，16歲便在那不勒斯皇家教堂以演奏家身分開音樂會，之後便仿效他父親的風格做歌劇和宗教音樂，但是並沒有很成功。

　

24歲和韓德爾認識並同住羅馬，成為終身的朋友互相切磋作曲；韓德爾 偏重歌劇，史卡拉第則專注在古鋼琴的樂曲，並擔任聖彼得教堂音樂指揮，但當時義大利民眾偏愛歌劇和小提琴樂曲，所以他一直不很得意，40歲時葡萄牙皇室聘請他去擔任公主Maria Magdalena Barbara的音樂老師，他欣然的答應。在1725年他回到那不勒斯，並在1728年期間訪問羅馬和瑪利亞．卡德莉娜(Maria Caterina Gentili)結婚，他們共生了五個孩子。1729年葡萄牙公主因為下嫁西班牙王子，他即跟隨定居馬德里，教授皇室音樂、表演和作曲。在1739年瑪利亞．卡德莉娜去世 ，之後他於1742年和西班牙人Anastasia Maxarti Ximenes再婚，並且又生了四個孩子。在馬德里期間，史卡拉第作了超過500首奏鳴曲，也就是因為這些作品讓史卡拉第一直為人們所懷念。



史卡拉第於1757年7月23日在馬德里逝世，享年71歲，他在Calle Leganitos的住所是當地一個很重要的指標，他的子孫直到現在都還居住在馬德里。

拉赫曼尼諾夫

1873 年 4 月 1 日出生於賽姆約諾夫，當時俄國正是沙皇統治最腐敗的時期，社會瀰漫著一股頹廢、反抗和革命交織而成的氣氛。拉赫曼尼諾夫出身名門，家族是俄羅斯貴族，父親擔任皇家禁衛隊隊長，擁有分封領土，然因父親不斷揮霍，加上共產主義興起農奴獲得解放，家族遂逐漸沒落。父母親對拉赫曼尼諾夫未來發展的歧見 ── 父親希望他成為有前途的軍人；母親卻發現他的音樂才能而欲予以完整的音樂教育 ── 更造成了家庭失和，父母離異。拉赫曼尼諾夫隨母親度過童年，也由母親完成了音樂的啟蒙教育；之後的家庭教師安娜·歐娜塔斯凱亞 (Anna Ornatskaya) 則擔任了他九歲以前的音樂教育工作。 1882年，在安娜的協助下，拉赫曼尼諾夫獲得聖彼得堡音樂院獎學金； 9 歲時母親呂波芙 . 布塔柯娃 ( Lyubov Butakova ) 帶著他離開父親，遷往聖彼得堡。年幼的他在這個寒冷的俄羅斯西北城市，正式開始了音樂家生涯。

之後進入聖彼得堡音樂院就讀，在聖彼得堡音樂院中，拉赫曼尼諾夫跟隨古斯塔夫·葛羅斯（Gustav Kross）習琴。在音樂院裡他天生的音樂才能使他都能輕易的通過考試， 可是一般科目幾乎使他被退學。生性沉默內向的小拉赫，並沒有在新環境中適應得很好，1885年的考試，使他遭到了留級一年的厄運。 在姑姑的兒子建議下，拉赫曼尼諾夫被轉往莫斯科接受名師尼可拉·茲威列夫（Nikolay Zverev）指導鋼琴。 此時大他一歲的史克里亞賓（Alexander Scriabin）亦受教於茲威列夫門下。

茲威列夫是當時莫斯科音樂圈的核心人物；由於家產富裕，他不收受弟子學費。 當時的教育內容除了習琴外，還包括語言、禮儀課程；學生們必須在清晨六時起床，穿上特有的制服，工作整整16小時；因此能夠接受這樣教育方式的學生也不多。慈威列夫的訓練是出名的嚴格，他常將他覺得較有前途的學生安排在家裡寄宿，當然拉赫曼尼諾夫也不例外。他除了密集的鍵盤彈奏訓練外也經常去聽音樂會，看歌劇、芭雷與話劇。另外慈列威夫每週日都會在家裡舉辦聚會，莫斯科所有的音樂巨星都會去作客，其中還包括魯賓斯坦與柴可夫斯基。慈列威夫的寄宿生經常有機會在這些大師面前演奏，這讓拉赫曼尼諾夫學得不少經驗。在夏天裡，慈威列夫會與學生離開莫斯科去別處避暑，通常是到南方的克里米亞半島，並在那裡學習基礎和聲學，以便回去莫斯科時能進入阿倫斯基的和聲班中學習。這個時候拉赫曼尼諾夫也開始自己學習作曲，不但寫了鋼琴獨奏曲，甚至還寫了管絃樂曲。

1888 年 15 歲時轉入表哥西洛第在音樂院的鋼琴高級班就讀，同時開始跟湯尼耶夫學對位，不過正當要開始發展他的作曲天份時卻受到恩師慈威列夫的阻撓，他認為拉赫曼尼諾夫是鋼琴家的料，作曲只會浪費了他的鋼琴天賦，所以當拉赫曼尼諾夫要求要有個人的鋼琴及琴房來從事創作時，跟慈威列夫起了相當嚴重的衝突，嚴重到他必須搬出慈威列夫的家，後來他只好搬到他姑姑瓦伐拉 . 薩汀娜家住，而他也不顧一切地進入與聖彼得堡音樂院對立的莫斯科音樂院。之後於 1892年 18 歲時，他以《阿雷可》獲得了音樂院頒發的『大金質獎章』（史克里亞賓則獲『小金質獎章』）。這一年他以最優異的成績提前一年自莫斯科音樂院畢業。除了在作曲方面展露才華外，拉赫曼尼諾夫的琴藝也日趨完美。 漸漸成長的他，擁有一雙無與倫比的巨大手掌，可以輕鬆自在的彈奏十二度音。 修長的十隻手指，能緊密柔軟地控制整個鍵盤，使得每一個觸鍵都在掌握之中。 除生理的優勢外，拉赫曼尼諾夫還擁有一種天生對樂曲的分析能力；彈奏時他絕非濫情式地、或是機械式地彈奏，而是經過深思熟慮後塑造出的深刻演出。 此外值得一提的是他驚人的記憶力；據說他在聽過一首複雜的大曲子後，即能隔日立時演奏。 曾是他同學的鋼琴家暨教師亞歷山大·葛登韋瑟曾述及一事︰西洛提將布拉姆斯的《韓德爾主題變奏曲》交予拉赫曼尼諾夫，兩日後他就能將它彈奏得『唯妙唯肖』。

畢業後的拉赫曼尼諾夫，在柴可夫斯基的鼓勵下，立刻與出版商簽定合約。對他而言，雖然擁有了一切偉大鋼琴家的優點，但真正讓他魂牽夢縈的，還是作曲。 『我感覺作曲好似說話一樣簡單；唯一可惱的是我握筆寫譜的速度跟不上腦中樂念 (musical ideas) 的飛馳....』 這一年他寫下了著名的《升ｃ小調前奏曲(prelude) 》，為他在歐洲大陸打響了名聲。

就在這一切順利的時刻，一件重大的挫折打擊了我們內向沉默的作曲家。 1895年，拉赫曼尼諾夫發表了《第一號ｄ小調交響曲（作品13）》，並於1897年3月15日在聖彼得堡舉行初演，指揮由格拉茲諾夫 （Alexander K.Glazunov）擔任。 試演時林姆斯基便對此曲不表好感；初演之後，各報發表的樂評更是對他攻擊有加︰ 『拉赫曼尼諾夫的作品，是一件尚未完全發掘自己的作曲家之作品....就這一點來說，他將來不是成為音樂上的瘋子，就是成為布拉姆斯這類的人.... 』收到這樣的回應，並不是拉赫曼尼諾夫的錯 ── 這可由此曲已在現在恢復它應有的地位得證。 但是他卻不認為是外在的因素造成此曲之失敗，而將過錯歸於自己作曲才能的缺乏。 就這樣，懷著對失敗的恐懼和對自己能力的懷疑，使他整整三年無法從事正常的創作；就連大文豪托爾斯泰（Count Leo Tolstoi）的勸慰，也無法治療他的沮喪︰『年輕人啊！ 你以為我的一生都非常的順利嗎？你以為我從來沒有任何煩惱、從來不曾躊躇不前、也不曾喪失自信嗎？你有沒有認真想過，所謂信念就是種強勁的力量？ 我們每個人都不免有一時的困難，不過，這就是所謂的人生。抬起頭來吧，勇敢地朝向你既定的目標邁進吧！』

　

『我〔當時〕就像一個受中風重擊的人，已好久不知如何使喚我的頭腦和雙手....』 這是拉赫曼尼諾夫在遭遇《第一號ｄ小調交響曲》的嚴重失敗挫折後對當時情境的追憶。 事實上，在1897年後的三年，他甚至無法從那已被撕扯成碎片的心靈中擠出半個音符。 長久處於精神上的崩潰狀態，使得拉赫曼尼諾夫的親戚開始四處奔走求助，希望有人能挽救他被重擊而破碎的心靈。 最後，他們找到著名的心理學家尼可萊．達爾博士（Dr. Nikolai Dahl）。根據拉赫曼尼諾夫本人的回憶︰ 『我的親戚們告訴達爾博士務必不惜一切代價治癒我，直到我能再度動筆作曲為止。 達爾便問他們需要哪一種形式的作品？ 他們告訴他，是一首鋼琴協奏曲；這是因為先前我曾答應倫敦那兒的人（指的是倫敦皇家愛樂協會 Royal Philharmonic Society ）要給他們一首鋼琴協奏曲，但由於心力交瘁無法完成。 結果是，日復一日我在半睡眠的情況下躺在達爾博士研究室的躺椅上，反覆不停地聽著催眠的處方︰ "你將開始寫作《協奏曲》... 你將工作得非常順利... 這將是一首完美的作品..." 語句都是相同而不間斷的。 雖然聽起來不可思議，這樣的治療卻真的幫助了我。 在夏天開頭（1900）我已可以作曲；樂念 (musical ideas) 和素材大批大批地湧現在我腦際，多得超過一首協奏曲所需（這或許可以解釋其後的第二及第三號鋼琴協奏曲之間的相似性）。 到秋天時我已完成了行板（Andante，為第二樂章，後改為Adagio sostenuto）和終曲（Finale，第三樂章）兩樂章....』

這大概是有史以來第一次心理治療與音樂的結合了！ 或許由此我們還可以思考一個更有趣的問題︰若拉赫曼尼諾夫當初被暗示要作一首突破傳統調性的作品，那麼今天他在音樂史上的地位恐怕便要改寫。 而這首作品到底算是達爾博士的傑作，還是拉赫曼尼諾夫的完全原創呢（拉赫曼尼諾夫將此曲題獻給達爾博士）？ 是不是一切作品的產生（或推廣言之，一切人類創作）皆非人類自由意志所能掌握？這牽涉了哲學、心理學方面的問題，就不是這篇文字所能探討的了。 總而言之，我們的大作曲家完成了此協奏曲《第二號ｃ小調鋼琴協奏曲》的二、三樂章，並在12月莫斯科的一場慈善音樂會舉行『未完成』的初演，獲得極大的成功 （這次他總算選對地方首演了）。翌年春天，他完成了第一樂章中板（Moderato），並在同年10月27日，由堂兄西洛提在莫斯科舉行首演。 後來這首曲子曾經過他小部份的修改，演出至今，受歡迎的程度有增無減。

　

在1901年後的兩年，拉赫曼尼諾夫進入了作曲家創作生命的黃金時期。 在這兩年中，《ｇ小調大提琴與鋼琴奏鳴曲 Op.19》、合唱曲《春》、《12首歌曲 Op.21》、《蕭邦主題變奏曲》及十首《鋼琴前奏曲 Op.23》（1904出版）一一誕生。 拉赫曼尼諾夫的前奏曲分散在三個 Opus裡︰Op.3、23及32。Op.3中的即是他畢業那年所寫，為他在歐陸打響名聲的那首；Op.23 為此時所作； 至於Op.32 的13首前奏曲，則是1904年後拉赫曼尼諾夫為了效法蕭邦在半世紀前，以所有大、小調性寫成24首完整前奏曲的手法，所增補寫成的。 Op.32 在1910年出版，已是他風格成熟之際。這三集共24首的鋼琴前奏曲，在技巧、質量上都比蕭邦的作品來得大和複雜； 在Op.3和23中還可以明顯感受到蕭邦的影響，但其後他的風格愈趨穩定。整體而言，這套作品洋溢著浪漫派的曲趣，及貴族式的風格。 不像貝多芬的鬥爭、莫札特的恬靜童心、蕭邦的抒情，這裡有的是一篇篇獨語（不似何其芳先生的《獨語》），偶爾幽暗、偶爾燦亮；更不會錯認的，是那種拉赫曼尼諾夫獨有的『夢的陰影』。 當然俄羅斯獨有的音樂語言，在此也可察覺。24首作品中，通常被認為最佳的是 Op.32 中第10首（ｂ小調）； 這首曲子的動機來自畢克林（Arnold Böcklin）的一幅畫『The Return』；當一切高貴生命的鬥爭過後，最後仍是順從；但卻在臨末了的時刻（原曲最後三小節由ｂ小調瞬間轉至Ｂ大調），一眼瞥到了這一生所愛所憎、所堅持的事物； 但美好的瞬間，卻敵不過倏然而來的終結（這是塑造悲劇氣氛的一大要素︰在絕望前給你短暫美好的曙光）。

　

1902年，在親友的反對聲中，拉赫曼尼諾夫與表妹娜塔莉雅．薩提娜結婚。 此後的拉赫曼尼諾夫便在莫斯科當地從事創作、演奏的事業。 1907年，他創作了《第一號鋼琴奏鳴曲》。1909年，同是畢克林的一幅畫『死之島（The Isle of the Dead）』燃起了他創作同名曲的念頭。 視覺的衝擊在拉赫曼尼諾夫的作品中佔了相當重要的一部份；例如 1893 年的《描畫幻想曲 (Fantaisie-tableaux)》及分別在 1911、1917 年創作的三首鋼琴曲︰ 《描畫練習曲（Etuds-tableaux）》。

　
拉赫曼尼諾夫的陰暗特質在這首曲子中表現無遺。 不知為何，這種對夢境、死亡的特殊傾向，是這樣長久而持續地攪擾著我們的音樂家。 以『神怒之日』的主題來講，這首有關末日審判的聖歌旋律，持續地在他一生的作品中出現︰ 1892年《第一號交響曲》、1909年《死之島》、1912的合唱曲《鐘》、1934年的《帕格尼尼主題狂想曲》、1936年的《第三號ａ小調交響曲》及1941年首演的《交響舞詩 Op.45》都一再浮現這熟悉的旋律。 是不是俄羅斯嚴寒的氣候造成了他深沉陰暗的性格呢？ 由他的外貌來看，也許可略察此人個性一二︰他有著 192公分的巨人身高，削瘦的臉上布滿歷經風霜的皺紋；頭上頂著短短的平頭，雙眼充滿憂鬱的色彩。 走路時微微駝背，一副落寞寡歡的模樣。有人戲稱他是『西伯利亞的囚犯』、『六呎半的苦瓜臉』、『俄國人原型』、『殯儀館老闆』，亦不為過。

　

同樣纏繞拉赫曼尼諾夫一生的，是俄羅斯教堂的鐘聲。 1912年他得到一份俄國象徵主義詩人巴爾曼（Konstantin Balmont）翻譯愛倫坡（Edgar Allan Poe）的詩作，而引起了想寫一首合唱曲《鐘（The bells ）》的念頭。 由於在莫斯科不斷有指揮和其它的工作佔去他的時間，使他無法專心作曲。為了能心無旁鶩地創作，他帶著全家人出國，來到羅馬的斯帕那（Piazza di Spagna）一間公寓安頓下來。 這間公寓也是柴可夫斯基生前數度拜訪羅馬下榻之處 ── 想必這點觸發了拉赫曼尼諾夫作曲的靈感。 《鐘 Op.35》的大部份在此完成，而全曲則在 1913 年夏天在俄國伊凡諾夫卡 (Ivanovka) 的住所完成，並於同年11月30日在聖彼得堡首演，是拉赫曼尼諾夫自認最優秀的作品。 這首曲子藉著鐘聲象徵人的生、婚禮、恐懼及 ── 想當然的 ── 死亡。 拉赫曼尼諾夫必定在腦海深處存留著對家鄉諾夫果羅得的聖索菲亞大教堂（St. Sophia Cathedral）鐘聲深刻的印象； 在他前面的作品裡（1893的《描畫幻想曲》、1905年的歌劇《吝嗇的騎士 (Skupoy Rystar)》 ）就曾多次使用下行四音符的鐘聲表示憂愁。 樂曲一開始，由長笛和代表生之喜悅的雪橇銀鈴聲揭開序幕；男高音的獨唱與喜氣洋溢的合唱說出了對生命的悅愛。 第二樂章則運用了女高音和抑弱的合唱代表婚禮溫厚的金鐘，樂曲充滿著拉赫曼尼諾夫感傷華麗的旋律。 第三樂章先由木管悄悄進入，接著是愈見強勁的銅管及小鼓，伴和合唱團倏然爆出的呼喊 ── 是恐懼！ 『聽哪！那警鐘！那咆嘯著的銅鐘..在訴說恐懼的故事..』合唱時而微弱，『如夜晚呼號的求救』，時而歇斯底里； 『每一聲，每一聲，愈來愈強，愈強！』（這使我憶起孟克的畫作『吶喊』），最後在合唱狂呼中倏而靜止。 此時第四樂章在弦樂低沉的脈動中進入了；空心的弦樂伴和時而突起的銅管，象徵死亡寧靜中的不安。 男中音唱出死的宣示︰『聽，那喪葬的鐵鐘..宣告死的哀愁..』啊，雖然我們遠離玩樂，在這兒哭泣，但有朝一日我們亦將深陷永恆的死眠（注意聆聽又可發現熟悉的『神怒之日』）。 樂曲最後在死者的安息中結束。

　

當拉赫曼尼諾夫 1912年在羅馬振筆疾書《鐘》之際，另一首《第二號Ｂ大調鋼琴奏鳴曲》亦於此時完成。 有趣的是這兩首同一時期創作的作品有不少相似處︰在《奏鳴曲》多處閃現鐘聲的影子（如第一樂章發展部）。 《奏鳴曲》後在 1931 年又由拉赫曼尼諾夫重新作了部份的修改，因此此曲有兩個版本。

1917年，俄國發生了一件大事，十月社會主義革命的爆發，蘇維埃政權成立，身為沒落貴族後裔的拉赫曼尼諾夫在革命中失去了大筆財富，共產黨對於藝術的檢查和管制，使得拉赫曼尼諾夫決定離開俄國，1918年，帶著家人和少許的家產，藉出國巡迴的機會走上逃亡之途，一家在瑞士定居下來，且終生未再重踏故土。45 歲時決定在美國紐約開創事業的第二春，並完成第三號鋼琴協奏曲。為了維持生計，他『正式』開始了職業演奏家的生涯； 彈奏的曲目包括了貝多芬、李斯特、舒曼、蕭邦及同輩的俄國作曲家史克里亞賓、麥特納（Nikolay Medtner, 1880-1951）和師輩的葛拉茲諾夫及柴可夫斯基。對拉赫曼尼諾夫來說，這時作曲已是一件奢侈的事；他最關心的是如何在琴藝上下功夫。 拉赫曼尼諾夫不論在生理和天資上都佔盡一切完美鋼琴演奏家應具的優點，這使他成為演奏巨匠（Virtuoso）。 儘管如此，熱愛作曲的本能驅使著他，在這段四處旅行演奏期間仍抽空作曲。二十世紀初他以大鋼琴家、指揮家、作曲家的身份活躍於美國樂壇。

這時期重要的作品包括1926年《第四號ｇ小調鋼琴協奏曲》及《三首俄羅斯歌曲(Three Russian Songs) 》、1931年《柯雷利(Corelli) 主題變奏曲》及1934年的《帕格尼尼主題狂想曲(Rhapsody on a Theme of Paganini) 》。 其中《帕格尼尼主題狂想曲》在效果上等於是拉赫曼尼諾夫的『第五號鋼琴協奏曲』，只是僅有單樂章而已（拉赫曼尼諾夫共有四首編號的鋼琴協奏曲）。 他為了專心作這首曲子，在1934春縮短了本已計畫好的旅行演奏來專心作曲。7月3日他在魯森湖 (Lake Lucerne) 畔的別墅開始作曲，在僅一個月後的8月24日就完成了這首作品。 同年10月4日他攜帶著完成的總譜來到紐約，在8天之內總譜完成印製工作，並於費城音樂學院試演︰由拉赫曼尼諾夫本人任鋼琴獨奏，史托柯夫斯基（Leopold Stokowski,註十）擔綱指揮；首演在同年11月7日舉行。 在接下來的半年中，紐約、英國曼徹斯特、倫敦相繼舉行了演出；速度之快，是史上罕見的。 這首受人們喜愛的程度不下於《第二號鋼琴協奏曲》的曲子，是根據帕格尼尼著名的《小提琴隨想曲(Caprice for Solo Violin)》 第24首 (a小調) 之主題作不斷的變奏而來的。 樂曲一開始即由弦樂和鋼琴點出帕格尼尼主題部份，隨後反行、逆轉、加強、削弱地加以各種變奏。 全曲在一種狂熱、神經質的氣氛下進行（當然少不掉拉赫曼尼諾夫特有的夢境），最後在『神怒之日』主題的強奏中結束。 值得一提的是，在電影《似曾相識》裡曾使用了一段此曲中優美感傷的旋律；另外在韋伯（Andrew Lloyd Webber，以劇作《貓》、《歌劇魅影》聞名）的作品裡也大量使用了此曲素材。

　

1935年，拉赫曼尼諾夫舉家遷移美國。這並不是他第一次踏上新大陸的土地；早在1909年他的《第三號ｄ小調鋼琴協奏曲》在紐約首演時，就是由他擔任鋼琴獨奏。 不同的是，這會兒我們的作曲家可是要在這兒終老一生了。 這段期間拉赫曼尼諾夫不斷舉行演奏會︰演奏巨匠演出自寫的曲子，恐怕是李斯特以來第一人了。 曾與他合作的指揮家包括萊納（Fritz Reiner）、史托柯夫斯基、奧曼地（Eugene Ormandy）等。 他在美國樂界的地位崇高，就算再大牌的指揮也對他畢恭畢敬。 這段期間他的重要作品包括1936年《第三號ａ小調交響曲》及 1940 年的《交響舞詩 (Symphonic Dances) Op.45》等。

　

拉赫曼尼諾夫的一生，也如同《交響舞詩》的終曲，漸漸接近尾奏 (coda)了。 1942 至 1943 年的旅行演奏，是他此生的最後一次。1943年一月，經醫生診斷罹患了胸膜炎的他，仍執意地繼續旅行演奏。 2月17日的一場演奏會中，拉赫曼尼諾夫終於不支；此時已是癌症末期，回天乏術。 1943年3月28日，懷著對家鄉鐘聲的眷戀、對死亡的不解，拉赫曼尼諾夫在遠離家鄉半個地球之外的加州比佛利山莊，走完了人生最後一站，享年70 歲。 或許他的亡魂，將乘坐著夏隆的孤舟，在無邊的大海中找到最後的目的吧！

　

拉赫曼尼諾夫個性執拗、嚴肅、沉默寡言，只有對少數至交才願意開口說話，同時對自我的要求和形象的維護非常重視，比較無法忍受別人對他作品的批評。他的第一號交響曲發表會非常失敗，不僅樂評界給予無情刻薄評價，一般人也都異口同聲對它交相責難，拉赫曼尼諾夫因此自信全失，有三年的時間他精神衰弱，無法寫出任何音符，他說：「我就像中風的人一樣，不知所措」。拉赫曼尼諾夫晚年德高望重，許多知名演奏家都以他為首腦人物，包括鋼琴家霍洛維茲、小提琴家密爾斯坦、以及大提琴家皮亞提高夫斯基，他們都崇拜拉赫曼尼諾夫，以他為音樂權威。

拉赫曼尼諾夫雖然是二十世紀的作曲家，可是一生都堅守在後期浪漫派陣營裡（被譏為保守派）沿續的仍然是十九世紀由柴可夫斯基繼承下來的浪漫傳統，而19與20世紀的交替，正是音樂史上轟轟烈烈的革命期。根據密爾斯坦的說法，他認為拉赫曼尼諾夫與柴可夫斯基的音樂除了保有了蕭邦音樂中的浪漫元素、李斯特大鋼琴家的巨匠風範、最重要的是他們的旋律是俄國式的，悲切、哀傷、優美而富旋律，雖然有的時候稍嫌冗長，但卻是真摯情感的氾濫，聽他們的音樂，不能用貝多芬那種德國式的邏輯去要求或衡量。拉赫曼尼諾夫的作品，雖留有20世紀的烙印，但實際上仍屬浪漫派。他作品中表達的方式雖不是很多樣性，但是樂曲背後隱藏的神秘動力，卻使聽者猶有思考的空間。 由今日他留下曲目所受的歡迎，亦可證其可取之處。要怎樣更確切地說明他的音樂呢？ 這樣說吧！有些作家的作品（像巴哈、貝多芬等），可以給你多樣不同的感受；但拉赫曼尼諾夫的音樂，卻永遠是屬於他自己的語言； 你一定會感動，但它並不代表全部；就像柴可夫斯基一樣，拉赫曼尼諾夫永遠是一個擁抱自己的音樂家！

奧芬巴哈

奧芬巴哈為猶太人，於西元1819年6月20日生於德國，父親曾任合唱團團員。他在年幼時就已經對音樂極感興趣，由於他自小體弱多病，父親因此不許他學習音樂，但是跟許多音樂家一樣，再大的阻撓也無法澆熄他對音樂的熱情，所以他仍秘密學習大提琴。

　

10歲時當地絃樂四重樂團的大提琴手因故缺席，他便自告奮勇參與弦樂四重奏演出，所演出的Hadyn四重奏曲技術精良且充滿自信，使得家人大感意外。十三歲時舉行舉行獨奏會，並發表自己的作品，獨奏會相當成功。次年14歲就獨自赴巴黎闖天下，當時口袋中僅有一封致Cherrubini的介紹信， 由於表現優異，Cherrubini對他的才能非常激賞，而破例准許他入巴黎音樂院，師事法斯林門下，學習大提琴，同時也在喜歌劇院中擔任樂師，但其天性喜惡作劇，有時竟罔顧演奏，因此常遭責罰導致幾無薪水可領。1848年返德省親，。1849年再回巴黎出任法國劇院樂團指揮，同時開始他的歌劇創作生涯。1855年他自組法國喜歌劇院演出自己的歌劇作品，這些劇作音樂輕快優美，劇本荒誕不經，但用意在於諷刺當時法國貴族階級腐敗生活。

　

奧芬巴哈首先推出喜歌劇「二盲人」Les deux aveugles ，接著是「地獄的奧爾菲」，兩劇首演雖未成功，但為奧芬巴哈建立了名聲。接下來奧芬巴哈可說是名成立，不僅劇劇票房告捷，更為巴黎社交圈茶餘飯後的話題，就連之前未見成功的「地獄的奧爾菲」，十五年後重新推出卻大受歡迎及好評。1858年於巴黎喜歌劇院演出他最最著名的天堂與地獄Orphue aux Enfers，但首演卻完全失敗，主因是觀眾無法立即接受那股強烈諷刺的主題，反而15年後才真正獲得成功。此後數年又創作不少輕歌劇，亦互有成敗，其中以美麗的海倫娜La Belle Helene 最受歡迎，也是最重要的一部。其曲調優美，劇情活潑，具有獨特的幽默感，同時滿含創造性。1872年作的愉快的巴黎人 Gaiete Parisienne失敗，負一筆可觀的債務，反在美國之旅中賺了10萬法郎而清償債務。其晚年生活暗淡，身患風濕與咳嗽。最後的願望是能在有生之年看到霍夫曼的故事Les Contes D'Hoffmann的上演，卻未能如願以償。逝世四個月後，此齣才正式上演，而且非常成功。其生性浮誇，喜好安逸舒適的生活，喝采與讚譽都是生活中不可或缺的。 奧芬巴哈的歌劇計有霍夫曼的故事Les Contes D'Hoffmann(含著名的船歌)、美麗的海倫娜 La Belle Helene 、愉快的巴黎人 Gaiete Parisienne 、女公殿下、燈下婚約、天堂與地獄Orphue aux Enfers、1858年10月21日在巴黎初次公演的奧菲斯在陰間Orpheus in the underworld等89部。

　

1870年普法戰爭爆發後，身在巴黎的德裔猶太人深感孤獨及威脅，也使得奧芬巴哈精神事業兩相崩潰。他晚年曾赴美演出，但未成功，生活雖變得黯淡孤寂，卻他仍然致力創作。奧芬巴哈最後一部歌劇是「霍夫曼的故事」，也是他唯一的打點全副精神創作的正統歌劇。他畢生最大的願望是看到這部作品上演，沒想到事與願違，這部嘔心之作在他逝世後四個月才得已正式演出。不過這部歌劇證實了奧芬巴哈在譜寫輕薄音樂之時，也能創作偉大的嚴肅作品。「霍夫曼的故事」 至今廣為流傳，一直是世界各大劇院演出的標準戲目。

韋瓦第

作曲家兼小提琴家 , 出生於威尼斯 .

韋瓦第是巴洛克時期最富創造力的多產作曲家之一 , 早年隨聖馬可教堂管絃樂團領隊雷格倫濟習樂 , 曾在教堂擔任過牧師 , 因其頭髮為紅色故有 " 紅髮神父 " 之稱 .

　韋瓦第後來成為威尼斯一所音樂學校的指導及指揮 , 就如同義大利其他音樂學校一樣 , 在這所學校裏收容了失去父母的孤兒 , 並給予完整的音樂教育 , 許多義大利傑出的音樂家都多少與這些音樂學校有關 . 維瓦第在世即以歌劇 , 神劇和奏鳴曲聞名 , 光是協奏曲就有 400 首以上 , 他引用前人柯瑞里和陶賴里的音樂語法及概念 , 以豐富的思維將巴洛克協奏曲風格帶入嶄新的領域 , 而且毫無疑問地影響了古典時期如海頓 , 莫札特的交響曲和協奏曲 . 他對標題音樂極感興趣 , 最為人知的便是描寫春夏秋冬大自然變化的 " 四季 " 小提琴協奏曲 .

他的曲式清晰 , 結構平穩,旋律如歌抒情 ,其對比與發展也很自然。音樂之父巴哈頗受他曲式的影響，也常引用他的小提琴與弦樂曲主題作古鋼琴曲或組曲。古典派大師海頓與莫札特早期作品亦皆遵循他的風格。韋瓦第可以說是古代演奏音樂的宗師，對於早期協奏曲有很大的影響，因之世人尊他為古協奏曲之父。

　
韋瓦第於 1741 年離開威尼斯 , 一心想前往維也納投奔新的資助人 , 可惜抵達維也納不久後即去世 .

韋瓦第大部分的音樂仍未出版 , 美國指揮家哥伯曼曾經組織一個協會 , 專門紀錄和出版他的器樂作品 , 可惜哥伯曼過世之後 ,這個計劃就一直沒有實現 .

韓德爾

韓德爾與巴哈並稱為巴洛克音樂裏最偉大的作曲家 .

和巴哈同年出生 , 而且相差不到一個月的韓德爾 , 2 月 23日出生在德國中部的哈勒 " Halle " . 他從小便顯露出音樂的才華 , 但是他外科醫生兼村長的父親卻認為音樂是最低級的職業 , 從小便禁止他學習音樂 , 並將韓德爾培養成律師 . 可是當年幼的韓德爾在一個偶然的機會發現閣樓有架古鋼琴後 , 便不顧父親的反對每天深夜偷偷溜到閣樓去練習 .

1694 年韓德爾 9 歲時開始正式與當時聖母教堂管風琴師 F . W . Zachow 學習管風琴及主要樂器的演奏法和作曲 . 11 歲時就可以代替老師出任務了 . 目前留下他最早的作品也就是為兩隻雙簧管 " Oboe " 和數字低音 " Basso Continuo " 所寫的六首奏鳴曲 .

1702 年他成為 Halle 大教堂的管風琴師 , 同時也為教會譜寫每個星期天要用的彌撒曲 . 不久他移到當時的歌劇之都漢堡定居 , 到歌劇院的管弦樂團擔任小提琴手 , 除了賺取生活費之外還努力學習歌劇作曲 . 1705 年他便發表了兩齣歌劇 , 1706 年他離開漢堡到義大利去 , 這段時間剛好是羅馬教皇禁止歌劇演出 , 而在盛行教會音樂的時期 , 可是影響韓德爾最多的還是威尼斯的歌劇及史卡拉第 " Alessendro & Domenico Scarlatti " 父子與柯賴里 " Arcangelo Corelli " 的音樂 .

從義大利回國後韓德爾出任漢諾威王侯的宮庭樂長 . 不料一趟倫敦之旅 , 卻變成他生命中一個巨大的轉捩點 . 當時的倫敦是音樂的消費大都市 , 英女王非常欣賞韓德爾的作品 . 旅遊完畢回國後不久 , 又再度遠赴英國 , 一住便是數年 . 雖然漢諾威王侯一再催促他回去 , 他卻把命令當耳邊風 , 而在英國逍遙自在地過日子 . 然而人算不如天算 , 英女王駕崩後漢諾威王侯繼承英國王位 , 即使精明如韓德爾也莫可奈何 . 因此 , 在這時節有人傳說他為了討好新王 , 做了一首 " 水上音樂 " 讓新王於遊泰晤士河時欣賞 .

1709 年底他在威尼斯發表了他的首部義大利歌劇 " Agrippina " 之後大獲成功 , 也使他在歐洲音樂界一舉成名 . 1717 年他譜寫有名的 " 水上音樂 Water Music "，這首曲子深受當時喬治一世的喜愛 . 1717 年他成立皇家音樂學會 , 曾到各處去尋找歌劇歌手 , 在一次特別的機會但因一日之差而失去與巴哈見面的機會 . 在這段期間他不眠不休地為工作忙碌 , 婚姻也一直無法確定 , 後來他受聘為英國宮廷教堂樂長 , 一生都一直過著獨居生活 . 他在倫敦期間譜寫了大約40齣歌劇 , 1741 年他只花了 24 天便譜出神劇 " 彌賽亞 Missiah " . 在愛爾蘭首都都柏林首演時大受好評 . 1749 年為了慶祝和平而作的 " 煙火音樂 Music for the Royal Fireworks " 是他晚年的傑作 .

　

韓德爾經常被人提出來與巴哈相比較 . 同樣出生於德國中部 , 巴哈從未離開德國一步 , 而韓德爾經常到外地旅行 , 並定居於英國 . 巴哈結婚兩次 , 孩子一大群 , 而韓德爾卻終生未娶 . 除了倔強不屈的性格相同以外 , 其他則完全相反 . 在作品上 , 韓德爾偏向於旋律性 , 聲樂性 , 注重音的要素 ; 而巴哈則注重曲子的構成 , 器樂性及音重疊的要素 .巴哈與韓德爾互相傾慕 , 也很想見面 , 但因二人均忙於自己的事業 , 終於未曾相見 , 在音樂史上留下一個遺憾 .

　

羅曼 . 羅蘭所著的 " 韓德爾的風采 " 一書中曾有一段描述韓德爾的趣話 : 韓德爾被稱為大熊 , 他的肩膀寬大 , 身材肥胖 ...... 走路時兩腿張開 , 左右搖擺 , 上身挺胸 , 頭部後仰 , 頂著大號假髮 , 濃密的捲髮垂在肩上 , 臉長如馬 , 到了晚年卻變成牛臉...... . 韓德爾的性格豪爽磊落 , 富有幽默感 , 是個豪傑型人物 .

韓德爾的作品以神劇 " 彌賽亞 " 最為不朽 , 這是當他陷於逆境深淵時僅僅花了兩週便寫成的 . 著名的第四六曲 " 哈利路亞聖詠 " 首演時 , 喬治二世因為太感動了而起立致敬 . 因此一直到今天 , 凡是在演奏此曲時觀眾們都會很自然地肅立 . 第一四曲是田園曲 , 據說第二三曲是韓德爾一邊流淚一邊寫下女低音獨唱部分 . 最後裝飾用的阿門聖詠 , 每一小節都很優美 , 不愧是世界名曲 .

器樂曲以作品三、作品六最負盛名 . 各由十二首曲子所組成 , 合奏協奏曲就像韓德爾的人一樣大方而愉快 . 作品三並加上他所喜愛的雙簧管 , 造成豐富的色彩 , 但是就內容而言則以只有絃樂的作品六比較充實 .

室內樂方面則有熟悉的古鋼琴曲 " 快樂的鐵匠 " , 六首小提琴奏鳴曲及十首木管奏鳴曲均很著名 .

歌劇作品以含有優美的獨唱曲最緩板之 " 西羅 " 及包括合唱曲 " 喜見勇者歸 " 之 " 馬卡貝利之猶太 " 較為著名 , 如今這兩齣歌劇都不會被從頭到尾公演 , 只擷取其中之精華而已 .

管絃樂以 " 水上音樂 " , " 王宮煙火音樂 " 等受到大眾喜愛 , 原來這兩首曲子均是在室外演奏的 , 現在我們聽到的都已改編成演奏會上所使用 . 使用響亮的管樂器及大鼓 , 尤其為了慶祝和平祭典所寫的 " 王宮煙火音樂 " , 首演時動用了一百支以上的管樂器來對抗大炮及煙火 . 這種戶外音樂真正表現了他的性格 , 也是他偉大功績之一 .

　

韓德爾晚年才得到倫敦市民的支持 , 很湊巧 , 他也和巴哈一樣染患眼疾 . 雖然延聘如泰勒般的名醫開刀治療 , 仍然失敗 , 幾乎變成瞎子 . 這位醫生過去曾為巴哈開過兩次刀均失敗 , 有庸醫之稱 . 當韓德爾在寫 " 哈利路亞 " 時曾大聲喊叫 : 我看到天堂了 ! 他並盲目指揮 " 彌賽亞 " , 1759 年 4 月 6 日在演奏中途因頭痛而昏倒 , 八日後去世 . 他的遺體被運往英國 , 埋葬於西敏寺教堂 .

海頓

海頓與莫札特 , 貝多芬並稱為維也納古典樂派三大作曲家 .

1732 年出生於奧地利東部的小村莊羅勞 , 在家裡十二個孩子中排行第二 . 海頓從小就顯露出音樂天份 , 他有一位親戚法朗克是合唱團指揮 , 所以海頓的父親就在他 6 歲時將海頓交給法朗克扶養並且教他音樂 . 法朗克灌輸海頓不少音樂的基本知識 , 也教海頓演奏小提琴和大鍵琴 .

兩年後海頓的才華被維也納聖史蒂芬教堂的樂長呂特注意到 , 在呂特的建議下海頓到維也納加入聖史蒂芬教堂的合唱團 , 一邊接受音樂教育一邊在教堂獻唱 , 一直到他 17 歲變聲後才被迫離開 .

離開合唱團後 , 海頓以教授私人學生及為人拉奏小提琴勉強維生 , 同時也利用閒暇努力鑽研作曲 . 有一次海頓所寫的一首彌撒曲受到音樂界的注意 , 他開始得到一些作曲的邀約 , 不久又被聘擔任一個望族的家庭音樂教師 , 經濟情況因此大為改善 .

1759 年海頓受邀出任莫爾辛伯爵在波希米亞私人樂團的指揮 , 可以更安心自在地從事作曲 , 他的作曲技巧在這時也日益成熟 , 在 27 歲時完成了第一首交響曲 .

1760 年海頓娶了長他 3 歲的安娜為妻 , 安娜非常自私而且對於丈夫的音樂事業毫不關心 , 婚後不久海頓就發覺這門婚事是個錯誤 , 他曾氣憤地說 : 不論她的丈夫是鞋匠或是藝術家 , 對她全無差別 . 安娜甚至時常將海頓的譜稿拿去做捲髮紙 . 海頓和安娜不斷爭吵 , 幾年後他們終於協議分居 , 不過海頓終其一生還是得按時付給贍養費 .


1761 年是海頓生命中相當重要的一年 . 因為莫爾辛伯爵經濟惡化不得不解散樂團 . 這時艾森斯達特的保羅 . 艾斯特哈吉王子邀請海頓出任王府樂團的副樂長 , 5 年後升任樂長 , 此後 25 年 , 海頓一直擔任這個職務 .

艾斯特哈吉富有而旦熱愛音樂 , 海頓除了要訓練及指揮樂團外 , 有時也親自擔任室內樂演奏 . 除此之外海頓也必須不斷寫作樂曲以應付演出 , 在艾斯特哈吉王府服務期間 , 他完成了數量龐大的各式作品 , 總計包括 5 部彌撒 , 11 齣歌劇 , 60 餘首交響曲 , 40 多首弦樂四重奏 , 30 餘首鋼琴奏鳴曲以及其它的樂曲 .

1790 年艾斯特哈吉的尼古拉王子去世 , 後繼者解散了樂團 , 海頓雖然仍可支領薪水 , 但因無事可做 , 便離開王府前往維也納 . 不久小提琴家沙羅蒙邀請海頓到倫敦舉行演奏會 , 海頓於 1791 年元月抵達倫敦 , 發表了六首新的交響曲 , 音樂會也受到熱烈歡迎 , 牛津大學更因海頓的傑出成就 , 頒贈他音樂博士學位 .

海頓在倫敦停留了一年半後返回維也納 , 1794 年他再度訪問英國 , 又發表了六首新的交響曲 , 受到比上次更熱烈的歡迎 , 海頓名揚英國 , 也讓奧國同胞與有榮焉 . 海頓前後兩次造訪英國 , 一共發表了十二首交響曲 , 這些交響曲一般被統稱為 " 羅蒙交響曲 " 或 " 倫敦交響曲 " , 是海頓交響曲中的傑作 .

海頓此時已成了奧國最具代表性的偉大作曲家 , 他的作品不但經常被人演奏 , 奧國政府還在海頓的誕生地塑立了一座胸像 , 而 1797 年奧皇法蘭茲二世誕辰時海頓更受邀創作了奧國的國歌 .

海頓晚年轉向創作聲樂作品 , 他先後發表了 " 創世紀 " 及 " 四季 " 這兩部偉大的神劇 , 再一次向世人顯示他崇高的音樂境界 . 1803 年之後海頓的健康大為衰退 , 1809 年因病逝世於維也納 .

海頓在音樂藝術上的最大成就在於交響曲和弦樂四重奏的創作 , 這也是他影響後世最主要的兩種音樂形式 . 弦樂四重奏是海頓表達個人情感最自然的形式 , 至於交響曲方面，經由海頓的精心設計 , 在各種樂器的音色配合與對比以及整體表現上 , 比起同時期其他作曲家的交響曲顯得更加豐富 , 也更具有優雅洗鍊的效果 .

卡巴列夫斯基

卡巴列夫斯基集作曲家、音樂教育家、作家、鋼琴演奏家和指揮於一身，是前蘇聯音樂史中非常重要的一位。他最成功也最為人知曉的就是為小朋友所編的作品。

　卡巴列夫斯基在1904 年12月30 日出生在聖彼得斯堡。 他的父親是位數學家，原本期望卡巴列夫斯基往數學方面發展，結果他違背了父親的期望而投入了音樂。 1918他們全家搬到了莫斯科 ，也就是這時候開始學習鋼琴，他進入Scriabin 音樂學院。他那裡接受了正式的音樂和鋼琴教育。當他才十幾歲就開始教鋼琴和 編寫一些簡單的作品。1922 年以後在離開音樂院之後，他繼續斷斷續續地與V. Selivanov (他在音樂院的鋼琴老師)學習、教 鋼琴和為無聲電影演奏。

　1925 年他進入了莫斯科音樂學院，在那裡他追隨Goldenweiser 學習鋼琴和Catoire學習作曲，之後改向Miaskovsky學習。1932 年他開始在音樂院 教授作曲並且在1939年被承認為合格的教授。在這幾年期間他創作了他的主要作品並且在國有音樂出版社Muzgiz擔任資深編輯。第二次世界大戰期間,，他寫了許多愛國歌曲 ，1940 年參加了共產黨之後, 在蘇聯音樂歷史中突顯了他的重要，在音樂的創建上他擔任了幾個重要的行政職務，包括各式各樣的蘇聯作曲家辦公室、Sovetskaia Muzyka ( 聯合蘇聯作曲家官方組織)的主編、 領導蘇聯無線電委員會的音樂部門、領導科學院裡藝術史學院的音樂部門。1940 他被授予勳章，獲得史達林獎三次-- 1946 年的第二 弦樂四重奏、1949 年的小提琴協奏曲、1951年的歌劇Taras 家庭並且在1965年以列寧為名。

　卡巴列夫斯基為官方音樂政策發言人 的身分經常在電視上出現，為工人和農人演講、為國內外報紙和期刊撰寫文章、代表出席各式頒獎、帶領代表團。1959 年一起同蘇聯作曲家們訪問美國。

　前蘇聯在1987年2月18日公佈了他的死訊!

普契尼

義大利浪漫樂派歌劇大作曲家賈柯摩．普契尼，一八五八年生於盧卡(Lucca)。普契尼在家鄉接受過最早的教育，因獲得義大利女王的年金，得以進入米蘭音樂院就讀，師承巴齊尼(Bazzini)及龐開利(Ponchielli)。因恩師的鼓勵，在學時就譜寫獨幕歌劇「薇麗」(Le Villi)。這個作品參加松佐諾(Sonzogno)獨幕歌劇比賽時，雖然未能引起評審的矚目，但很快受到包益多(Boito)等幾位朋友的賞識與推薦，並於一八八四年在米蘭威爾梅劇院首演。出版商李科第(Ricordi)在聽了這部歌劇後，便委託普契尼創作歌劇「艾德加」(Edgar)，該劇於一八八九年在米蘭首演，但結果失敗。無比失望的普契尼，則因下一部作品「曼儂．雷斯可」(Manon Lescaut)的成功而拾回信心，此劇是一八九三年在都林(Turin)首演的。可是普契尼真正博得勝利是靠一八九六年在都林首演的「波希米亞人」(La Boheme)。這部依然為全世人熱愛的作品，首演時儘管並未成功，但兩個月後在巴勒摩再度演出時，卻獲得狂熱的歡迎，確立了普契尼的世界性地位。
普契尼在此劇之後的歌劇，可以說是齣齣精彩，膾炙人口。「托斯卡」(Tosca)乃根據薩爾都(Sardou)劇作而作。「蝴蝶夫人」(Madama Butterfly)在米蘭首演時失敗，三個月後在布列斯奇亞(Brescia)重新改編為三幕歌劇上演，獲得凱旋般的喝采，受歡迎的程度足以和「波希米亞人」相媲美。此外尚有「西部姑娘」(La fanciulla del West)、「燕子」(La Rondine)、三篇獨幕劇(I trittico)「外套」(Il tabarro)、「修女安潔麗卡」(Suor Angelica)和「強尼．史基基」(Gianni Schicchi)，以及未完成的「杜蘭朵公主」(Turandot)等歌劇作品。一九二四年十一月，普契尼為了接受咽喉癌的手術前往布魯賽爾。這時在他的旅行袋中放看「杜蘭朵公主」終曲的草稿，他希望在停留布魯賽爾期間寫作這部分的管絃樂譜，以便完成這部以中國為舞台的最大鉅作。不幸由於手術並未成功，他就在布魯賽爾的醫院中與世長辭。後來由弟子阿法諾(Alfano)根據遺留約三十六頁草稿把終曲部分完成。

普契尼缺少威爾第的崇高氣質，但在戲劇風味和技巧方面卻很少有歌劇作曲家能與他相抗衡。他多愁善感，但那是千百萬人樂於接受的多愁善感。他那塑造性格的能力得到高度的發展，在配器方面的天賦使他能以很少的音符就能把觀眾吸引住。他大部份的歌劇都有一位女主角，這個角色常常既有「少女」因素又有損及他個人形象的虐待狂般的殘酷特點。作為一個藝術家，他不斷地探索，並回應從德布西(Debussy)到荀白克(Schoenberg)所帶來的當代影響。

帕格尼尼

帕格尼尼小提琴之王

作曲家兼小提琴演奏家

史上最「壞」的音樂家

帕格尼尼於1782 年10月27日出生在義大利熱內亞(Genova)，然而其家庭背景一說是貧苦的商人家庭，也有一說是他父親是個碼頭搬運工人，不管怎樣他的家並不富裕，因為他的家共有五個小孩，生活很貧困。傳說中他母親夢見天使，便祈求天使賜給她一個小提琴家兒子。果然，她的願望實現了，他五歲 便開始學習曼陀林，七歲時轉而學習小提琴，當時他的父親要求他要天天從早練到晚，如果他不認真練，小Niccoló就會挨餓，可憐的Niccoló那時唯一的支撐力量便是他的母親，她總是告訴他這一個天使的夢，激勵他努力的學習，由於他出身貧困，父母無力供他拜師學藝，他的所有技巧可以說都是自學成功。除了勤練，這一切要歸功於他那超乎常人，強韌、有力的手指，可以毫不費力地克服技巧上的困難，據說，他還可以用小提琴模擬各種動物、人的聲音。


帕格尼尼最初是跟著父親學習小提琴，十一歲時就成為名滿天下的小提琴大師。1797年他首次舉行巡迴演奏會，16歲時寫出他那有名的「二十四首隨想曲」，這二十四首曲子至今仍然是小提琴曲目中的極品，且是幾乎每場比賽中必訂的曲目之一。1810年到1828年他以「自由演奏家」為業，在義大利各地演出，1828年在世界音樂之都維也納演出獲得成功；1831年在巴黎和倫敦引起巨大轟動，以他獨特的技巧迷住評論家與一般大眾。直到1834年他的演奏事業因為健康問題告停，他不得不減少演出。1840年5月27日因喉頭結核客死於法國尼斯，享年58歲，著名的匈牙利音樂家李斯特懷著無限悲痛的心情在訃告上寫道：“我毫不猶豫地說，再也不會有第二個帕格尼尼了


為什麼帕格尼尼被稱為使上最壞的音樂家呢？帕格尼尼於1804年曾一度返回故鄉熱內亞，但是不久又踏上旅，前往路卡的艾莉莎．巴契歐奇（拿破崙之妹）宮廷，擔任小提琴獨奏和樂團指揮的職務。他在路卡滯留了三年，也留下不少的風流韻事，然而之後又再度背上行囊，從此一直到離世為止，終生過著無悔的流浪生活。在沿途的演奏中，他的每次出場總是引起聽眾極大的騷動，人人無不驚懼於他那一手出神入化的演奏技巧，晚年的他因身體不佳而減少了演出，但是他還曾從事一個新的冒險 - 經營賭場，但是後來被他的朋友所背叛，捲入一場法律糾紛而被迫關閉並且在金錢上也遭受嚴重損失。因此有關他以靈魂出售給魔鬼以換取一身絕技的傳聞，在帕格尼尼生前即甚囂塵土，以致於在他離世時，竟然沒有人願意為他的入土祝福。



帕格尼尼的小提琴

當他首次離鄉時，曾意外的從一位不知名的法國商人手中，獲贈一把耶穌瓜奈里（又稱家農砲）小提琴。這把名琴其後成為他終生的至愛，在漫長的歲月中伴隨著他走過歐洲各大小城市，也為他贏得了巨富與名聲。他共蒐集了二十二把小提琴，其中最珍愛的，就是這一把帕，格尼尼死後一百多年來，人們稱這把琴為帕格尼尼的寡婦，這把名琴被深鎖於一個玻璃琴盒中，無人敢用之演奏，彷若那是對琴魔的褻瀆，也像是恐怕會遭到詛咒般的敬畏。


　　話說這把琴是製琴大師安德烈瓜奈里的兒子耶穌瓜奈里1742年所製，是歷史上最傳奇的琴，不過瓜奈里有點皮，他做的琴像匹野馬般難以馴服，不過但一旦野馬認了主人，也就成了千里良駒。所以小提琴家用瓜奈里琴演出時，並不是在單獨的展現自己精湛的琴藝，而是兩個靈魂並列台上，一個是演奏家的靈魂，另一個則是小提琴的靈魂。


　　1822年帕格尼尼受贈此琴，一生珍愛，連女人都自嘆弗如。帕格尼尼死後將此琴贈與熱內亞「永久保存」，但Genova政府卻因過度珍惜這把琴， 便將它深鎖於展示廳，不料竟因通風不良與溼度等問題，使「加農砲」嚴重受損。所幸經過製琴師傅坎第(Candi)不眠不休的細心修護，「加農砲」竟然又起死回生，才使這把帕格尼尼一生最愛的「加農砲」重新獻身於音樂，不再深鎖玻璃盒中。

柴可夫斯基

柴可夫斯基一八四○年五月七日出生在俄國沃金斯克，該地位於現今烏特模脫自治共和國的境內，是一個金屬工業城。柴可夫斯基的父親是礦場檢查員，母親則具有法國血統，祖先於十六世紀時遷居到俄國。

柴可夫斯基的母親很喜歡音樂，歌聲也很甜美，因此柴可夫斯基自幼顯露出對音樂的偏好，應該是遺傳自他的母親。

柴可夫斯基從四歲開始自行在家中的鋼琴上彈奏，到六歲時倒也無師自通地掌握了初步彈奏技巧。八歲時，由於父親工作的調動，舉家遷往聖彼得堡，柴可夫斯基於是進入當地的學校就讀，開始接受正式的鋼琴教育，不過隔年因為父親的工作異動，他的鋼琴課程也隨之中斷。

另一方面，雖然柴可夫斯基的父母知道柴可夫斯基有音樂天份，但並不認為有成為專業音樂家的條件，為了他日後生活較有保障起見，便替他做了選讀法律課程的決定。因此柴可夫斯基十歲時就與兄長一起離家前往聖彼得堡，進入一家法律預備學校就讀。

在學期間柴可夫斯基對音樂並沒有忘情，有空閒時他也開始嚐試作曲，從一八五五年起，他還跟隨一位德國籍的老師昆德林格學習鋼琴和作曲理論。一八五九年柴可夫斯基從法律學校畢業，隨後便進入司法院擔任事務員，由於柴可夫斯基對於法律工作實在非常沒興趣，而追求音樂發展的慾望卻與日俱增，所以在一八六一年說服父親，同意讓他在工作之餘進入大鋼琴家安東.魯賓斯坦設立的音樂教室，隨薩林巴學作曲。

一八六二年安東.魯賓斯坦音樂教室昇格為聖彼得堡音樂院，柴可夫斯基於是辭去司法院工作，正式成為音樂院學生。在音樂院中，柴可夫斯基是名勤奮的學生，對老師所傳授的知識都能虛心學習，所以在作曲方面進步很快，這一段時期他完成了一些管弦樂及室內樂小品的習作。

一八六五年柴可夫斯基自音樂院畢業，畢業作品是一部以席勒【歡樂頌】為題材而寫的清唱劇，得到了學院的銀牌獎。柴可夫斯基的畢業作品獲得了尼古萊.魯賓斯坦《安東.魯賓斯坦胞弟》的賞識，尼古萊請柴可夫斯基到莫斯科的音樂教室擔任和聲學老師。

一八六六年，柴可夫斯基才剛到任，尼古萊.魯賓斯坦的音樂教室改制成莫斯科音樂院，而與其兄所創設的聖彼得堡音樂院共同成為俄國最富盛名的音樂學府。柴可夫斯基在莫斯科音樂院教書的待遇並不算多，但他卻有較充足的時間作曲，因此在到任的第一年內，就完成了第一號交響曲﹁冬之夢﹂，然而在這首曲子的創作過程當中，柴可夫斯基因工作過度而導致精神方面受到了一些損傷。

第一號交響曲首演時，觀眾的反應相當冷淡，這使得柴可夫斯基覺得非常失望，不過幸好沒有因此而氣餒，在這之後他又創作了一些鋼琴曲、序曲以及第一齣歌劇【地方長官】，很可惜，這些作品也都不是很成功。

一八六八年，柴可夫斯基開始與俄國國民樂派﹁五人組﹂的成員交往，一八六九年他接受該組領導人巴拉基列夫建議，寫了著名的管弦樂幻想序曲【羅蜜歐與茱麗葉】。然而與此同時，柴可夫斯基的作曲風格也與俄國國民樂派逐漸遠離，俄國國民樂派主張採用俄國民族素材寫作具民族特色的音樂，而柴可夫斯基作曲風格則較傾向於西歐作曲家的樂風上這兩種不同的作曲方向，後來也形成了十九世紀後半葉俄國樂壇的兩大潮流。

一八六九年柴可夫斯基還經歷了一生中唯一的一次戀愛事件。那一年他愛上了女歌手黛西莉.雅爾托，兩人並曾發展出一段戀情，可是個性內向害羞的柴可夫斯基一直不敢開口向黛西莉求婚，以致後來黛西莉又被別人給追走了。雖然柴可夫斯基在感情上受到挫折，不過作曲上卻有了斬獲，他初期的一些傑作，像是第一號弦樂四重奏、第二號交響曲以及交響幻想曲﹁暴風雨﹂等陸續問市。

一八七四年柴可夫斯基更譜出了最著名的降b小調鋼琴協奏曲，這首曲子在完成之初，雖曾遭到尼古萊.魯賓斯坦惡劣批評，但是當畢羅於一八七五年將它帶往美國首演後，立刻就獲得了非凡的成功，至今這首協奏曲也成了柴可夫斯基最受世人喜愛的曲子之一。

一八七五年至一八八○年間，柴可夫斯基又完成了第三、第四號交響曲、芭蕾音樂【天鵝湖】、鋼琴曲集【四季】、交響幻想曲【黎米尼的富蘭契斯卡】、【斯拉夫進行曲】、【義大利隨想曲】、【一八一二年序曲】、【小提琴協奏曲】、【羅可可主題變奏曲】以及歌劇【尤金.奧涅金】等傑作。這些作品的成功，使柴可夫斯基在俄國樂壇的份量大為提昇，也使他成為國際注目的俄國作曲家。

除此之外，在這一段時期柴可夫斯基又經歷了兩件與女性有關的重大事件。首先是在一八七六年底，柴可夫斯基開始展開他與梅克夫人之間長達十三年的神秘交往。梅克夫人是一位富有運輸商人的遺孀，她因為仰慕柴可夫斯基的音樂才華，而願意每年提供六千盧布給柴可夫斯基，好讓柴可夫斯基辭去音樂院的教職，專心從事作曲，但是她也提出了兩人永不見面的條件，所以柴可夫斯基和梅克夫人始終都只靠通信聯絡，兩人終其一生都不曾見過面。

為了感謝梅克夫人的知遇之恩，柴可夫斯基曾呈獻多首曲子給悔克夫人，其中以第四號交響曲最為重要，這首曲子在作曲上的成就遠遠超過他的前三首交響曲，所以成為柴可夫斯基向西歐樂壇展現其作曲實力的優秀作品。

另外一個事件是發生在一八七七年，一位自稱莫斯科音樂院學生的安東妮娜.米留可娃，寫了封熱情的仰慕信給柴可夫斯基，並要求和柴可夫斯基見面，起初柴可夫斯基並不理會她的來信，但米留可娃不停地寫信給柴可夫斯基，甚至以自殺來威脅柴可夫斯基與他見面。

不得已之下柴可夫斯基只好同意了米留可娃的要求，然而誰知道米留可娃一見到柴可夫斯基後，便跪在柴可夫斯基的面前，除了表達對柴可夫斯基的一片癡情外，並要求柴可夫斯基娶她為妻。柴可夫斯基被米留可娃突如其來的舉動給嚇得不知所措，結果在毫無感清基礎的情形下，竟然胡裡胡塗也答應了婚事。事實證明柴可夫斯基的決定是草率而錯誤的，婚後才九個禮拜，柴可夫斯基就因為極度不能適應婚姻生活而精神瀕臨崩潰邊緣，甚至企圖自殺以逃避婚姻。

於是醫生便勸他轉換環境並做長期休養，所以此後一年的時間，柴可夫斯基獨自到瑞士及義大利等地旅行，而他與米留可娃痛苦的婚姻至此實際上也等於結束了。

一八八一年尼古萊.魯賓斯坦不幸去世，為了紀念這位他最敬愛的人物，柴可夫斯基寫了【一位偉大藝術家的追憶】鋼琴三重奏來悼念他。一八八四年柴可夫斯基獲得沙皇贈勳，一八八五年並出任俄國音樂協會莫斯科分會會長，同年他也根據拜倫詩作完成了著名的【曼佛瑞德交響曲】。

一八八七年年底至隔年之間，柴可夫斯基到歐壯各地旅行演出，在萊比錫、柏林、漢堡、布拉格、巴黎、倫敦等地巡迴指揮了自己的作品，獲得無比成功，此行他還會見了布拉姆斯、德弗乍克、查理.史特勞斯、葛利格及佛瑞等作曲家。

回國後，柴可夫斯基開始寫作他的第五號交響曲，他並於該年夏天完成了這首傑出的作品。完成第五號交響曲後，柴可夫斯基又到布拉格指揮【尤金.奧涅金】的演出，返國後於一八八九年寫出著名的芭蕾音樂【睡美人】。

一八九○年柴可夫斯基再次赴義大利旅遊，他在佛羅倫斯完成了歌劇【黑桃皇后】。然後又轉往俄屬高加索，在那兒他接到了梅克夫人來信，梅克夫人在信中表示她的經濟情況發生惡化，因此要停止對柴可夫斯基的資助，並旦也要斷絕他們兩人之間的交往。

雖然柴可夫斯基這時已是一個地位穩固的知名作曲家，而且自一八八八年起俄國政府也按年發補助金給他，生活已不虞匱乏，但梅克夫人的絕交，對他仍造成精神上相當大的打擊。

一八九一年柴可夫斯基赴美訪問，並旦在紐約、華盛頓、巴爾的摩、波士頓及費城等地指揮演出自己的作品。柴可夫斯基在美國大受歡迎，他對於自己的音樂能如此受新大陸民眾的喜愛，感到大出意料之外。

一八九二年三月柴可夫斯基完成芭蕾音樂【胡桃鉗】，之後他便開始構思他的下一首交響曲，原本他曾計畫寫作一首標題為【人生】的交響曲，並旦也設定了它的四個樂章的標題，分別是〈熱情〉、〈愛情〉、〈失望〉、〈死亡〉，但是這首降E大調的交響曲在留下一些草稿後卻半途流產了。

到了隔年柴可夫斯基重新提筆寫作他六號交響曲，結果寫出了一首內容極為深刻、終樂章並且一反傳統採用慢板以暗示出絕望與死亡特徵的交響曲，該曲於一八九三年十月二十八日由柴可夫斯基在聖彼得堡親自指揮首演。

首演時雖然觀眾仍給予掌聲，但他們似乎未能體會出柴可夫斯基是藉由此曲來傾訴他自己內心的憂傷、痛苦與失望，所以當天觀眾的反應並不是十分熱烈。

幾天後柴可夫斯基因喝下不潔的生水而得到霍亂，延至十一月六日不幸去世《這是傳統上有關柴可夫斯基死亡原因的官方說法，至於柴可夫斯基的真正死因，至今仍然撲朔迷離、沒有定論，有興趣的網友可參閱柴可夫斯基的詳細傳記》。

一週後當這首交響曲在柴可夫斯基的紀念音樂會上再度被演奏時，觀眾們終於會意出這首樂曲所富含的深沈悲情而大受感動，這首被冠以【悲愴】之名的交響曲，也因此成為柴可夫斯基最淒美的【天鵝之歌】。

蕭邦

鋼琴詩人蕭邦的父親其實是法國人，後來才移居波蘭，蕭邦便是出生在波蘭華沙附近的一個小村莊裡。小時候，他是在母親悉心照料下成長的幸福小孩。他八歲時曾在一場慈善晚會裏以小鋼琴手而獲得滿堂彩。他九歲時在波斯坦丁大公御前演奏軍隊進行曲，十四歲時獲亞歷山大大帝頒賜鑽石戒指一只。
蕭邦後來帶著“唐璜”主題的“管絃伴奏幻想曲”造訪維也納，這首“幻想曲”在當地造成很大的迴響。他離開波蘭的另一個原因是他單戀華沙音樂學院的一名女學生，在得不到回應後，他也有過尋短的念頭，這是多情敏感的鋼琴詩人年少時的一段插曲。
蕭邦身體不是很好，談過幾次戀愛也不很成功，最有名的一次應該是與女作家喬治桑的戀曲。一開始就弄的滿城風雨，喬治桑在當時是思想前衛的女子，喜歡著褲裝，尤其是騎馬裝束，她也比蕭邦大六歲；這段感情維持七年，蕭邦在失去喬治桑的愛情後，整個人憔悴的很厲害，最後因肺結核而病倒於巴黎，喬治桑聞訊趕來時，被蕭邦的弟子擋在門外，蕭邦最終病死在弟子的懷裏。
蕭邦一開始的創作理念就以鋼琴為主，他的情緒、他的激情、甚至於他的感情，也只有鋼琴才能夠透徹的傳達。

布拉姆斯

布拉姆斯,1833 年生於漢堡，父親是當地管弦樂團的低音提琴手，

故布拉姆斯小時候便接受父親的指導學習音樂，後來改跟 柯塞爾學習鋼琴。

在柯塞爾的教導下，布拉姆斯技巧突飛 猛進，

並進而在柯塞爾的介紹下拜在漢堡首屈一指的音樂 家馬克斯森門下，學習古典風格的作品。

布拉姆斯二十歲時與好友小提琴家雷梅尼結伴到歐洲各國作旅 行演奏，

在漢諾威城演出貝多芬的「克羅采奏鳴曲」時 ，在演 奏會開始前才發現鋼琴調成比正常低了半音，

由於時間緊迫，負責鋼琴的布拉姆斯只好以高半音的調子背譜彈出鋼琴的部份，知道內情的人都非常驚訝。在場的小提琴大師桃阿幸對布拉姆斯的 才能很是賞識，

於是主動聯絡布拉姆斯並介紹他會見當時樂壇的 領導者舒曼及李斯特，

由於這樣的機緣，促使布拉姆斯後來順利 踏上音樂創作之路並成為一代大師。

1896年克拉拉病逝，嚴重打擊布拉姆斯，而讓他寫出《四首莊 嚴歌曲》，

又過了幾個月，布拉姆斯發現自己得了肝癌，沒多久 便於1897年4月3日，離開人世。

李斯特

李斯特,1811年10月22日生,如果說帕格尼尼的小提琴琴藝稱得上鬼斧神工，

那麼鋼琴演奏家的鬼才非李斯特莫屬。

李斯特從六歲起開始跟著父親學琴，他的父親可以稱為當時的孝子，

為了兒子的音樂前途，老早放棄他會計師的工作，陪著兒子四處旅行，

也真虧了他，否則李斯特是否能達到今日的成就也很難說。

李斯特九歲時在歐登堡(OEDENBURG)舉行第一次演奏會，即獲得熱烈的掌聲，

也因此得到埃斯塔哈基伯爵的賞識，資助他六年的學費，

他父親把他帶到音樂之都維也納，從此展開他的學習生涯。

他曾經跟隨貝多芬的弟子徹爾尼學鋼琴，他超凡的琴技已漸漸在維也納打開知名度，

所以當他在維也納舉行第二次的演奏會時，貝多芬也前來欣賞這位音樂神童的琴藝，

在演奏結束時，偉大的音樂家貝多芬還上台擁抱了他。

後來李斯特還為了貝多芬塑像的事情，大力的奔走、出錢，

除了對貝多芬的景仰與尊敬外，應該也有感謝貝多芬知遇之恩的情份吧!

李斯特的才情與風采迷倒了無數的上流社會的女士們，其中還包括他的女學生；

他一生戀情不斷，較為人熟悉的是與波蘭貴族卡洛琳．桑．維根斯坦公主的一段戀曲，

這段感情維持很久，可惜最後也無疾而終。

李斯特曾經奉命擔任威瑪的指揮，此後，他便以威瑪為活動中心，

這段時間他結識不少德國的音樂家，誰都知道他跟華格納的交情最好。

華格納曾說過：“在接觸李斯特的音樂後，即改變了他的和聲”。

華格納成為他的女婿後，他們之間的關係又更加親密了。